Модернизм в русской литературе ХХ века
Последнее десятилетие 19 века ознаменовалось появлением в русской литературе новых направлений, задачей которых было полное переосмысление старых средств выражения и возрождение поэтического искусства. Данный период (1982-1922 гг.) вошел в историю литературы под названием «Серебряный век» русской поэзии. Писатели и поэты объединялись в различные модернистские группы и направления, игравшие в художественной культуре того времени огромную роль.
(Кандинский Василий Васильевич «Зимний пейзаж»)
Русский символизм появился на стыке 19 и 20 века, его основоположниками были поэты Дмитрий Мережковский, Федор Сологуб, Константин Бальмонт, Валерий Брюсов, позже к ним присоединились Александр Блок, Андрей Белый, Вячеслав Иванов. Они выпускают художественный и публицистический орган символистов — журнал «Весы (1904-1909 гг.), поддерживают идеалистическую философию Владимира Соловьева о Третьем завете и пришествии Вечной женственности. Произведения поэтов-символистов наполнены сложными, мистическими образами и ассоциациями, таинственностью и недосказанностью, абстрактностью и иррациональностью.
На смену символизму приходит акмеизм, появившийся в русской литературе в 1910 году, зачинатели направления: Николай Гумилев, Анна Ахматова, Сергей Городецкий, также в эту группу поэтов вошли О. Мандельштам, М. Зенкевич, М. Кузьмин, М. Волошин. Акмеисты в отличие от символистов провозглашали культ реальной земной жизни, ясный и уверенный взгляд на реальность, утверждение эстетико-гедонистической функции искусства, без затрагивания социальных проблем. Поэтический сборник «Гиперборей», выпущенный в 1912 году, заявил о появлении нового литературного направления под названием акмеизм (от «акме» – высшая степень чего-либо, пора расцвета). Акмеисты пытались сделать образы конкретными и предметными, избавиться от мистической запутанности, присущей движению символистов.
(Владимир Маяковский «Рулетка»)
Футуризм в русской литературе возник одновременное с акмеизмом в 1910-1912 годах, как и другие литературные направления в модернизме он был полон внутренних противоречий. В одну из самых значительных футуристических группировок под названием кубофутуристы входили такие выдающиеся поэты Серебряного века как В. Хлебников, В. Маяковский, И. Северянин, А. Крученых, В. Каменский и др. Футуристы провозглашали революцию форм, абсолютно независимых от содержания, свободу поэтического слова и отказ от старых литературных традиций. Проводились интересные эксперименты в области слова, создавались новые формы и обличались устаревшие литературные нормы и правила. Первый сборник поэтов-футуристов «Пощечина общественному вкусу» декларировал основные понятия футуризма и утверждал его как единственного правдивого выразителя своей эпохи.
(Казимир Малевич «Дама на остановке трамвая»)
В начале 20-х годов ХХ века на основе футуризма формируется новое модернистское направление — имажинизм. Его основоположниками были поэты С. Есенин, А.Мариенгоф, В. Шершеневич, Р. Ивнев. В 1919 году они провели первый вечер имажинистов и создали декларацию, в которой провозглашались главные принципы имажинизма: главенство образа «как такового», поэтическое выражение посредством использования метафор и эпитетов, стихотворное произведение должно представлять собой «каталог образов», читающийся одинаково как с начала, так и с конца. Творческие разногласия между имажинистами привели к разделению направления на левое и правое крыло, после выхода из его рядов Сергея Есенина в 1924 году группа постепенно распалась.
Джон Колтрейн. Джаз исполнители
1926 — 1967
Несмотря на относительно короткую карьеру (впервые аккомпанировал в возрасте 29 лет в 1955 году, официально начал сольную карьеру в 33 — в 1960 году, и скончался на 40 году жизни в 1967), саксофонист Джон Колтрейн наиболее важная и противоречивая фигура в джазе. Несмотря на недолгую карьеру, благодаря своей славе, Колтрейн имел возможность записываться в изобилии и многие его записи были изданы посмертно. Колтрейн радикально изменил свой стиль в течение своей карьеры, тем не менее у него остается масса поклонников как его раннего, традиционного звучания, так и более экспериментального. И никто, почти с религиозной приверженностью, не сомневается в его значимости в истории музыки.
John Coltrane — My Favorite Things
Билл Эванс
1929 —1980
Билл Эванс — пожалуй, наиболее упоминаемый и цитируемый пианист-импровизатор в мире джаза и популярной музыки. Он был первым, кто сумел соединить воедино несколько стилей, успешно используя интонации мультикультурной этники, классики и джаза, гармонично переплел их элементы, концепции и ритмы. Уже после него джазовые исполнители начали активно использовать данный приём.
Эванс считается главным новатором в области структуризации джазовой гармонии. Подобно художнику-импрессионисту, он использовал полиритмические мотивы, вдохновляя многих пианистов своего времени. Его импровизации в большинстве построены на динамичном развитии мелодии.
Bill Evans — My Foolish Heart
3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839—1881)
Модест Петрович Мусоргский — один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член «Могучей кучки». Новаторское творчество Мусоргского далеко опередило своё время.
Родился в Псковской губернии. Как многие талантливые люди, с детства показал способности в музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным. Решающим событием, определившим, что Мусоргский рожден не для военной службы, а для музыки, стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в «Могучую кучку». Мусоргский велик тем, что в своих грандиозных произведениях — операх «Борис Годунов» и «Хованщина» запечатлел в музыке драматические вехи российской истории с радикальной новизной, которую не знала до него русская музыка, показав в них сочетание массовых народных сцен и разнообразное богатство типов, неповторимый характер русских людей. Эти оперы, в многочисленных редакциях, как автора, так и других композиторов, являются одними из самых популярных русских опер в мире. Еще одним выдающимся произведением Мусоргского является цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки», колоритные и изобретательные миниатюры пронизаны русской темой-рефреном и православной верой.
В жизни Мусоргского было все — и величие, и трагедия, но он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. Последние его годы были тяжелыми — жизненная неустроенность, непризнание творчества, одиночество, пристрастие к алкоголю, всё это определило его раннюю смерть в 42 года, он оставил сравнительно немного сочинений, некоторые из которых были завершены другими композиторами. Специфическая мелодика и новаторская гармония Мусоргского предвосхитили некоторые черты музыкального развития 20 века и сыграли важную роль в становлении стилей многих мировых композиторов.
Цитата М.П.Мусоргского: «Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной.»
Цитата о М.П.Мусоргском: «Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский» Н.К.РерихИнтересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением «друзей» Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову
Александр Николаевич Скрябин
Александр Николаевич Скрябин творил на фоне трудных и горьких событий начала XX века. Пережил он и личную трагедию — его мать умерла рано, а отец служил послом в Персии и не мог уделять сыну достаточно времени и внимания. Отдушиной юного Александра Скрябина стала музыка.
Когда вышли Третья симфония («Божественная поэма»), симфоническая «Поэма экстаза», «Трагическая» и «Сатаническая» фортепианные поэмы, 4 и 5 сонаты и другие произведения, стало ясно, что в русской классической музыке появились новые шедевры.
Величайшей новаторской работой того времени стал «Прометей» («Поэма огня»), в которой Скрябин отступил от традиционной тональной системы.
«Иду сказать им (людям) — чтобы они… ничего не ожидали от жизни кроме того, что сами могут себе создать… Иду сказать им, что горевать — не о чем, что утраты нет. Чтобы они не боялись отчаяния, которое одно может породить настоящее торжество. Силен и могуч тот, кто испытал отчаяние и победил его», — говорил Александр Скрябин.
Александр Николаевич Скрябин
Родился 6 января 1872 года. Семья его проживала в Москве и относилась к старинному дворянскому роду. Папа Сашеньки был дипломатом, а мать — талантливой пианисткой. К сожалению, едва ребенку исполнился год, она заболела туберкулезом и скончалась.
Отец не имел возможности находиться рядом с сыном, поскольку выполнял дипломатическую миссию в Персии. Мальчика воспитывали сестра отца и бабушка.
Именно тетка привила Александру Скрябину любовь к музыке. В пять лет он прекрасно играл на фортепиано, а в 8 начал сочинять собственные небольшие произведения. У него также проявился поэтический талант: начал писать стихи и многоактные трагедии.
Учиться Александра отправили в кадетский корпус. Здесь он продолжил занятия музыкой. После военного училища он поступил в консерваторию, и в 1892 году с успехом закончил ее.
После окончания учебы он начинает гастролировать по Европе и у него появляются первые поклонники. Он посещает:
- Берлин;
- Дрезден;
- Геную;
- Люцерн.
Публика относится к нему благосклонно. Критики пишут лестные отзывы об очаровании славянской музыки.
В 1897 году он женится на пианистке Вере Исаковой. Она являлась выпускницей Московской консерватории. К сожалению, через 7 лет их семейная лодка терпит крушение, они разводятся.
Интересные факты из жизни композитора:
- Был оппонентом Рахманинова, хотя музыкальную грамоту они осваивали вместе.
- Александр обожал солнечные ванны. Работать старался в основном под ласковыми лучами.
- Был очень требователен в плане гигиены, но по роковому стечению обстоятельств умер от сеспсиса. Причиной стал обычный нарыв на губе.
- Александр Николаевич изобрел цветомузыку.
Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840—1893)
Пётр Ильич Чайковский, пожалуй самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство. Он является одним из самых важных композиторов мировой классической музыки.
Уроженец Вятской губернии, хотя корни по отцовской линии на Украине, Чайковский с детства показал музыкальные способности, однако первое образование и работа была в области правоведения. Чайковский — один из первых русских композиторов-«профессионалов» — теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. Чайковского считали «западным» композитором, в противопоставлении народным деятелям «Могучей кучки», с которыми у него были хорошие творческие и дружеские отношения, однако его творчество не менее пронизано русским духом, ему удалось уникально соединить западное симфоническое наследие Моцарта,Бетховена и Шумана с русскими традициями, унаследованными от Михаила Глинки.
Композитор вёл активную жизни — был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком достаточно эмоционально неустойчивым, восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев — все эти настроения менялись в нём достаточно часто, будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству.
Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского — сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах — опера, балет, симфония, камерная музыка. Содержание музыки Чайковского универсально: с неподражаемым мелодизмом она охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы, отражаются глубокие процессы духовной жизни.
Цитата композитора:
«Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать.»
«Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом — из разнообразия в единстве.»
«Большой талант требует большого трудолюбия.»
Цитата о композиторе: «Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, — до такой степени я уважаю его» А.П.ЧеховИнтересный факт: Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.
Анна Мередит
Любые попытки общего стилистического определения творчества Анны Мередит заведомо обречены на провал. За десять с небольшим лет своей композиторской карьеры эта выпускница лондонского Королевского колледжа музыки сознательно не выработала уникального почерка, предпочитая кардинально менять свою манеру от сочинения к сочинению. Среди главных ее творений значатся: написанная на либретто драматурга Филипа Ридли электроакустическая опера Tarantula in Petrol Blue; созданный совместно с битбоксером Шломо предельно агрессивный по звучанию, полистилистический по сути и абсолютно дикий по эмоциональному накалу концерт для битбоксера с оркестром; мультидисциплинарная поэма для оркестра и видео Four Tributes to 4am, похожая на растянутый до 15 минут короткий отрывок из позднего Сибелиуса; отсылающие чуть ли не к раннему Стравинскому отдельные вещи для ансамблей и инструментов соло. В прошлом же году Мередит выпустила альбом экспериментальной поп-музыки Varmints — пятидесятиминутный цикл коротких песен в духе первых пластинок Брайана Ино, группы Cardiacs и прочих мозговитых британских мейнстримовых музыкантов. Не зная ничего об образовании и карьере Мередит, можно натурально подумать, что Varmints записан какой-то очень любящей выпендриваться инди-группой — но так только веселей.
22.Гиорги Чиффра (1921-1994, Венгрия)
Скромный по происхождению, он был самоучкой с детства и, таким образом, приобрел большой талант к импровизации, придавая своим произведениям индивидуальный подход и вызывая неприятие пуристов фортепиано.
Свою карьеру он начал в 5 лет артистом цирка, из которого вынужден был уйти из-за болезни. В 9 лет он произвел впечатление на профессоров академии Ференца Листа, но ему снова пришлось оставить фортепиано, чтобы служить армии во Второй мировой войне, пока нацистский генерал не услышал его и не вывел из опасности, чтобы посвятить себя музыке.
Однако он попал в плен к вражеским войскам и получил ранения рук. Когда он обрел свободу, он стал международной звездой. Он отважился на разные жанры, такие как классика, фольклор и даже джаз.
Хронология и эволюция
Защелка двери. Дом-музей Орта. Брюссель.
Настенная отделка французского замка Роктайлад , восстановленная Эженом Виолле-ле-Дюком в 1850-х годах, была описана как предмодернистская.Хотя ее целью было создать неоготическое воссоздание , то, что было получено, было фресками в зародышевом стиль модерн органичных движений, цветов и форм новаторского изящества.
На протяжении второй половины девятнадцатого века эта тенденция усиливалась, что было заметно в новаторских британских движениях, таких как Искусство и ремесла Уильяма Морриса или Братство прерафаэлитов . Образцы дизайна викторианской архитектуры сместились к свободно плавающим формам, особенно в кованом железе, которое остается на виду, выставлено в изобилии и используется вне своей архитектурной функции; или в использовании больших кусков стекла неправильной формы ( vitraux ). Нечто подобное произошло и в цветочных текстильных рисунках.
Экслибрис дизайнера Коломана Мозера .
Первым дизайном, однозначно отождествляемым с новым стилем, является обложка книги 1883 года, посвященной церквям, написанной Кристофером Реном дизайнером и архитектором Артуром Макмердо .
В 1999 году Карлес Р. Ашишиби основал НЬЮ -ЙОРКСКУЮ гильдию и скул ремесленников в Тойнби-Холле (Восточный Лондон), занимающуюся всесторонней отделкой внутренних интерьеров (кованое железо, украшения, эмаль и мебель). После закрытия Kelmscott Press Уильяма Морриса в 1897 году Эшби использовал опыт многих своих рабочих для расширения своего бизнеса в полиграфической промышленности ( Essex House Press ). Гильдия переехала в 1902 году в — , где она пришла в упадок
до закрытия в 1908 году.
Свобода, отстаиваемая в 1890-х годах группами художников под названием « сецессион », которые последовательно появлялись в различных европейских городах ( Париж — Салон на Марсовом поле 1890 года, отделившийся от Société des Artistes Français — Мюнхен— Мюнхенский сецессион , отпочковавшийся от Münchner Künstlergenossenschaft , 1892 г. — Вена — Венский сецессион отделился от Vereinigung Bildender Künstler Österreich в 1897 г
— Берлин — Берлинский сецессион отделился отGroße Berliner Kunstausstellung , 1898— ) оказали идеологическую поддержку и общественное внимание движению.
Между 1892 и 1893 годами Виктор Орта построил Дом кисточек . Его мастерская в Брюсселе становится центром распространения новой эстетики в архитектуре и дизайне.
торговая марка
1 января 1895 года рекламный плакат, распространенный по улицам Парижа, олицетворял популярное признание стиля модерн в пластических искусствах: это был Альфонс Муха и представляла актрису Сару Бернар в Жисмонде .
В 1896 году в Мюнхене начал издаваться журнал Jugend («молодежь») , давший стилю название в Германии ( Jugendstil ).
В 1897 году было открыто новое здание Чарльза Ренни Макинтоша Школы искусств Глазго . Группа художников из этого города, возглавляемая Макинтошем и отождествляемая с модернистским движением, будет известна как Школа Глазго .
Между 1897 и 1903 годами в Барселоне работала площадка Els Quatre Gats , место встречи каталонского модернизма (там Пикассо впервые выставлялся в феврале и июле 1900 года).
Первый номер Jugend , Мюнхен, 30 мая 1896 года.
Всемирная выставка в Париже в 1900 году стала важной вехой. Особенно впечатляющими были согласованные инсталляции (по дизайну и цвету) произведений искусства рядом с мебелью и гобеленами, выставленные по инициативе Maison de l’Art Nouveau («Дом нового искусства»), художественной галереи , открытой пятью годами ранее
(1895) в Париже немецким дилером Сэмюэлем Бингом . Подобно этому, другие коммерческие дома, такие как лондонская Liberty & Co. ( Артур Ласенби Либерти ) и нью-йоркская Tiffany’s ( Louis Comfort Tiffany), настолько тесно связанные с новой эстетикой, что их имена также использовались в качестве ее наименований.
Модернизм достиг своего апогея в 1902 году на Prima Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna (« Первая международная выставка современного декоративного искусства ») в Турине , где выставлялись дизайнеры из всех европейских стран.
Ко времени Первой мировой войны (1914-1918) от высокодекоративного характера модернистского дизайна уже начали отказываться в пользу более простых и прямолинейных линий, более гармонирующих с плоскостной эстетикой и более низкой себестоимостью промышленных конструкций. К 1920-м годам эта тенденция воплотилась в новом словесном ярлыке: ар-деко .
Анна Торвальдсдоттир
Бьорк. Sigur Rós. Для любителей кино и неоклассики — Йохан Йоханнссон («Прибытие») и Оулавюр Арнальдс («Убийство на пляже»). Для переживших нулевые — группа Múm и Эмилиана Торрини. Ну и в общем все. Исландию как музыкальную державу помимо этих имен трудно как-то охарактеризовать, а уж ее академическая музыка и вовсе для большинства неизвестна. На самом же деле в этой северной стране существуют мощные традиции сочинения. Между ведущими композиторами разных эпох — Йоуном Лейфсом, Атли Хеймиром Свейнссоном, Хейкуром Томассоном — довольно сложно провести очевидные стилистические параллели, но зато можно выделить единое стремление найти свой оригинальный композиторский язык, резко отличающийся от глобальных трендов.
Анна Торвальдсдоттир, несомненно, принадлежит к тому же ряду. Ее лучшее на данный момент записанное сочинение, сюита In the Light of Air, по меркам академ-авангарда кажется старомодной. Синтез электроники и акустических инструментов сначала производит эффект каких-то разобранных на атомы шумов и шорохов, но чем дальше, тем больше эта музыка сама себя разоблачает. Она работает не за счет сложной организации или продуманной формы, а за счет интуитивно вписанной в каждую ее ноту общечеловеческой простоты. Не зря Торвальдсдоттир, по собственному признанию, вдохновляется в первую очередь природой: в ее творчестве слышна ровно такая же грандиозность естественности, которая обнаруживается в реках, горах или тысячелетних деревьях. Доступность сочинений Торвальдсдоттир зафиксирована и в ее карьере: она подписана на лейбл Deutsche Grammophon, который выпускает музыку все-таки для условно массового, а не эстетского потребления.
Композиторы 19 века
В 19 веке венскую музыкальную школу представлял такой выдающийся композитор как Франц Петер Шуберт. Он продолжил традиции романтизма и оказал влияние на целое поколение композиторов. Шуберт создал более 600 немецких романсов, возведя этот жанр на новый уровень.
Франц Петер Шуберт
Другой австриец, Иоганн Штраус, стал знаменит благодаря своим опереттам и легким музыкальным формам танцевального характера. Именно он сделал вальс самым популярным танцем в Вене, где до сих пор устраиваются балы. Кроме того, в его наследии – польки, кадрили, балеты и оперетты.
Иоганн Штраус
Ярким представителем модернизма в музыке конца 19 века был немец Рихард Вагнер. Его оперы не утратили актуальности и популярности по сей день.
Джузеппе Верди
Противопоставить Вагнеру можно величественную фигуру итальянского композитора Джузеппе Верди, который оставался верен оперным традициям и придал итальянской опере новое дыхание.
Петр Ильич Чайковский
Среди русских композиторов 19 века выделяется имя Петра Ильича Чайковского. Ему характерен уникальный стиль, сочетающий европейские симфонические традиции с русским наследием Глинки.
Детство
Александр родился в деревне Троицкой в 1813 году 2/14.02. Его семья была большая, помимо него было ещё пятеро детей. До пяти лет маленький Саша не разговаривал. Его голос поздно сформировался. На всю жизнь он остался у него высоким с небольшой хрипотцой, что не считалось недостатком, а помогало ему трогать сердца слушателей во время пения.
Сергей Танеев — малоизвестный классик русской музыки. Когда-то его имя было на слуху у образованной публики во всех краях огромной Российской империи. Сегодня о нём знают лишь историки музыки и воспитанники немногочисленных музыкальных школ и училищ, названных в его честь.
Ференц Лист
Ференц Лист является одним из величайших композиторов мира. Он прожил относительно долгую и удивительно насыщенную жизнь, познал нищету и богатство, встретил любовь и столкнулся с презрением. Кроме таланта от рождения он обладал фантастической работоспособностью. Ференц Лист заслужил не только восхищение знатоков и поклонников музыки. И как композитор, и как пианист он получил всеобщее одобрение европейских критиков XIX столетия. Он создал более 1300 произведений и подобно Фредерику Шопену отдавал предпочтение произведениям для фортепиано. Блестящий пианист, Ференц Лист умел воспроизводить на рояле звучание целого оркестра, мастерски импровизировал, обладал фантастической памятью музыкальных композиций, ему не было равных в чтении нот с листа. У него был патетический стиль исполнения, что также отразилось на его музыке, эмоционально-страстной и героически-приподнятой, создающей красочные музыкальные картины и производящие неизгладимое впечатление на слушателей. Визитной карточкой композитора являются концерты для фортепиано. Одно из таких произведений «Годы странствий». А одно из наиболее известных произведений Листа — «Грезы любви»:
